El Centro de Arte Reina Sofía da a conocer en la mayor retrospectiva jamás ofrecida en España, al padre del Pop Art, el británico Richard Hamilton, considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX. La exposición que reúne 270 obras, abrirá sus puertas al público el próximo 27 de junio y permanecerá en Madrid hasta el 13 de octubre. Una muestra que fue concebida por el propio Hamilton para este Museo, en la que trabajó directa y personalmente desde principios de 2010 hasta su muerte en septiembre de 2011.
Richard Hamilton, nacido el 24 de febrero de 1922 en Londres en una familia de clase obrera, tuvo una temprana visión del mundo en el que le iba a tocar vivir como adulto, el de la sociedad de postguerra, que para resarcirse del drama vivido iba a transformarse en sociedad de consumo, inducida por los intereses financieros y de mercado en desarrollo. Toda una revolución social de la que Hamilton llegaría a ser su más sutilmente feroz crítico, ironizando sobre los nuevos objetos de deseo de una sociedad que se alejaba del ser y se implicaba profundamente en el poseer todos los objetos cotidianos que representaran un confortable status social e identificarse con los mitos que fabricaba Hollywood. Y para ello era indispensable transformar en arte todo ello, con los medios que mejor representaran la nueva estética de la época, principalmente la fotografía, los collages, serigrafía, las instalaciones, todo ello al servicio de una nueva sociedad, vista desde todos sus ángulos. Hamilton alejó a ese arte popular de su aparente superficialidad.
En la cronología de Hamilton están presentes las influencias de Cézanne, el cubismo, el futurismo, la cronofotografía, el movimiento, la perspectiva y sobre todo Duchamp. En 1952 funda junto con Eduardo Paolozzi, Lawrence Alloway, Alison y Peter Smithson y Nigel Henderson, el Independent Group en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, donde participa en la exposición Ocho jóvenes pintores británicos. El gran salto tiene lugar en 1956, cuando Hamilton organiza una exposición del Independent Group en la Whitechapel Art Gallery, titulada This is Tomorrow, en la cual presenta su collage Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?. En ese momento no sabía que la obra llegaría a ser el paradigma de un nuevo Pop Art que estaba naciendo en el Reino Unido. El collage se convirtió en el detonante, primero en Inglaterra, luego a nivel mundial, de este nuevo arte nacido urbano, provocador, cargado de humor y colores brillantes.
Un arte que según definió el propio Hamilton tenía que ser barato, efímero, prescindible, producido en serie para una cultura de masas, sexy y glamuroso, es decir, un gran negocio. En el collage hecho con recortes de revistas, con alto contenido publicitario y consumista, aparecen todos los símbolos de esta cultura: un culturista, una modelo en topless, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, un cartel de cine y el enorme chupa-chups sostenido por el culturista como si fuese una raqueta de tenis, con la palabra ‘pop’, destinada a dar nombre oficial al movimiento. La crítica irónica contenida en el título para consumo de la posteridad. Es decir, nace como movimiento crítico contra las corrientes artísticas elitistas y abstractas del momento. Nace con la misión de convertirse en la expresión del arte popular, mediante la utilización de imágenes cotidianas urbanas, como una nueva estética para criticar a la sociedad de consumo. Esto además de permitirle hacer una crítica directa de ese modelo social, también le permite popularizarse y ampliar su público.
La del Reina Sofía será una exposición de exposiciones, subraya Borja-Villel, director del museo. No es una diferenciación baladí: Para Hamilton organizar exposiciones era un arte en sí mismo y paradójicamente, nunca quiso que esta muestra se iniciara en Londres. “Hamilton se acercó al Reina Sofía en 2009 con la idea de organizar una retrospectiva con obras que no se hubieran visto juntas antes, como sus instalaciones. Y quería que se organizara en su segundo país, que era España, un lugar al que llegó de la mano de Duchamp, que pasó largas temporadas en Cadaqués, donde él acabó pasando también mucho tiempo”.
La muestra, el último proyecto expositivo en el que participó directamente Hamilton, pone de manifiesto la gran variedad de medios, géneros y temáticas que este artista utilizó y abordó a lo largo de su carrera: desde la fotografía, el dibujo o el grabado hasta el diseño industrial, la publicidad o la manipulación digital de imágenes; desde el retrato y el autorretrato y los interiores hasta las indagaciones de carácter metalingüístico, la crítica política o la reflexión sobre el consumismo y la cultura de masas. Ofrece un exhaustivo recorrido retrospectivo por la obra de Richard Hamilton entre 1949 y 2011, a lo largo del cual queda patente cómo este artista logró construir un incisivo y polifacético discurso iconográfico que, bajo su aspecto lúdico e irónico, planteaba una reflexión crítica, no exenta de un cierto componente de fascinación sobre la sociedad de consumo y el imaginario mediático contemporáneo, al tiempo que exploraba y desbordaba los límites entre lo popular y lo culto, lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto.
La exposición también analiza el papel que jugó en su práctica artística la apropiación y recontextualización de imágenes preexistentes, así como el diálogo que estableció en muchos de sus trabajos con la obra de otros creadores. En este sentido, se presta especial atención a la influencia que ejerció sobre su producción Marcel Duchamp, un artista que siempre tuvo como referente y del que incluso llegó a reconstruir una de sus piezas más emblemáticas: El gran vidrio.
Dividida en catorce apartados que, aunque con matices, siguen un cierto orden cronológico, en la exposición se pueden ver las obras más conocidas de Richard Hamilton, como Just What is it that Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?, pieza iniciática del Pop Art; su diseño para la cubierta del popularmente conocido como White Album de los Beatles; o sus polémicas series pictórico-fotográficas Swingeing London 67 y My Marilyn. Además, en la muestra se han recreado varias de las instalaciones expositivas en cuyo diseño Hamilton participó activamente: Growth and Form, Man Machine and Motion, Lobby House y An Exhibit.
My Marilyn es un collage que deriva de las fotografías de la actriz que Hamilton pudo ver en la revista Town Magazine en noviembre de 1962, poco después de su muerte. Las fotos, tomadas por George Barris ocupaban una doble página. Hamilton cuenta cómo Marilyn quería que los resultados de sus sesiones fotográficas fueran sometidas a su aprobación antes de ser publicadas. Ella ponía cruces y otras marcas sobre su imagen, aprobando o rechazando. O sugerencias de retoques para hacerlas aceptables. Después de su muerte en agosto de 1962, algunas de estas pruebas fueron publicadas con sus marcas, incluso las más agresivas, hechas con tijeras o lima de uñas. Hamilton encuentra en ellas narcisismo, una simbología infantil y una violencia autodestructiva de su propia imagen, que fueron motivo de reflexión tras su suicidio. My Marilyn comienza con sus signos y elabora las posibilidades que sugiere.
Los tonos rosa y gris dominantes en My Marilyn evocan la paleta del expresionista abstracto Willem de Kooning (1904–97) en sus series de pintura de mujeres realizadas en la década de los 1950. Influenciado fuertemente por imágenes ‘primitivas’ de fetiches femeninos, las pinturas de De Kooning están asociadas a carteles del cine americano y a las estrellas icono de la cultura popular. Hamilton estaba familiarizado con estas pinturas y las tuvo en cuenta cuando trabajaba en esta obra. La fotografía fue esencial para el pop art en los primeros 60, proporcionando el acceso a imágenes de famosos con glamour. La quintaesencia del pop, Andy Warhol contribuyó con algunas de las imágenes más conocidas de Marilyn Monroe. En los meses que siguieron a su muerte, Warhol utilizó una fotografía publicitaria de la actriz de la película de 1953, Niágara, para crear su serie de más de veinte grabados de la artista, como el Díptico de 1962. Hamilton para titular su versión del mito Marilyn le antepuso el posesivo ‘my’.
Otras de sus más famosas e icónicas creaciones presentes en la exposición son la carátula del doble disco White Album de los Beatles y la serie Swingeing London 67, obra en la que Hamilton pintó a Mick Jagger y al galerista Robert Fraser esposados tras una redada antidrogas. Cambia la expresión Swinging London referida al feliz estallido del pop en la ciudad por la de Swingeing London, como crítica a la para él excesiva condena de Fraser. Sus series Interior, The Solomon R. Guggenheim o las reproducciones de Duchamp forman parte también de la muestra, así como la última obra realizada por Hamilton, en la que trabajó antes de morir y no llegó a titular.
Richard Hamilton fue uno de los primeros artistas en plantearse la exposición como una obra en sí misma, en ser comisario de exposiciones, cuando este concepto aún no existía. Las cinco instalaciones de gran envergadura recreadas para la exposición, de las cuales Growth and Form (Crecimiento y Forma) de 1951 ha sido reconstruida por primera vez para la muestra del Reina Sofía. El origen del concepto de organización de exposiciones se remonta a la pedagogía de la Bauhaus, pero en el desarrollo de Growth and Form , sin duda modelo paradigmático de exposición para Hamilton, se advierte la inspiración en la sensibilidad surrealista y dadaísta, en las técnicas literarias de Joyce y en el lenguaje de Duchamp.
La instalación Man, Machine and Motion (Hombre, Máquina y Movimiento) de 1955, comprada por el Reina Sofía en 2014, refleja la fascinación de Hamilton por la tecnología, el modo en que los medios de transporte han alterado la visión del mundo y el cómo los medios de comunicación permiten acceder a un mundo que está más allá de nuestro entorno inmediato.
This is Tomorrow de 1956 es la instalación para la que Hamilton creó el cartel del célebre collage con el que nace oficialmente el Pop Art. En ella colaboraron varios artistas, arquitectos y diseñadores, cada uno desde su campo. Su resultado va del entusiasmo a la crítica de la creación de elementos dominantes en el imaginario popular por medio de estímulos sensoriales y ópticos, todos ellos presentes en el famoso collage.
An Exhibit es una instalación de lo más innovador, ideada junto al artista Victor Pasmore y al escritor Lawrence Alloway. Prescindiendo absolutamente de paredes, la instalación, para una exposición abstracta y hermética, se presenta en paneles de metacrilato con distintos grados de transparencia. Las formas abstractas desviaban la atención del público hacia la estructura sustentadora de tales obras, es decir hacia el continente, más que hacia el contenido. Toda una revolución.
La exposición se presenta en catorce espacios, las cinco instalaciones reseñadas y nueve series: Segadoras (máquinas) de 1949; Hamilton / Duchamp, Gente, Interiores de 1964, con Swingeing London y My Marilyn; Polaroids, de 1968, una serie divertidísima de retratos de Hamilton hechos con Polaroid por más de un centenar de artistas, destacando a Francis Bacon, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Man Ray, Yoko Ono y John Lenon, Max Ernst y etcs; Fashion Plates de 1969, una transformación de posados de modelos para revistas en imágenes grotescas, algunas un poco monstruosas, con la intención de delatar la naturaleza artificial de este tipo de imagen mediante retoques que anticipan el hoy habitual retoque digital de las imágenes; Retratos y autorretratos, inspirados en las manchas propias de la pintura de Francis Bacon, surgen como un ensayo manipulador con doble sentido: alterar el aspecto de la fotografía mediante el uso de la técnica de otro pintor; Pinturas para un espacio específico, una preciosa combinación de espacios reales y virtuales como nuevo diálogo con la historia del arte; Imágenes de protesta, y la de significación tremendamente profunda y vigente El ciudadano, El súbdito, El estado. Y finalmente el trabajo inacabado sin título, en una serie de tres imágenes con idéntico motivo: Los autorretratos de Poussin, Courbet y Tiziano como testigos del intento de creación de una obra perfecta sin conseguirlo: una mujer desnuda, como un diálogo no resuelto con la práctica de la pintura. Esta obra está fechada el 9 de septiembre, cuatro días antes de la muerte de Hamilton.
Ficha de la Exposición:
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Edificio Sabatini, 3ª planta.
- 27 de junio a 13 de octubre 2014
- Organización: Museo Nacional Reina Sofía.
- Comisarios: Vicente Todolí y Paul Schimmel
- Coordinador: Rafael García.
- Actividades relacionadas:
- -Seminario internacional: Ciudadano Hamilton. El arte contra la industria cultural (septiembre de 2014). Contará con la participación de destacados teóricos e historiadores del arte, expertos en diferentes campos en los que trabajó Hamilton (vídeo, pintura, comunicación, etc).
- Conferencia magistral a cargo de Benjamin Buchloh. Entre americanos: Richard Hamilton (8 y 9 de octubre, 2014). Buchloh es uno de los especialistas internacionales más reconocidos en el arte europeo de posguerra.
- Entrada // MadridEsPop. Este verano Madrid se convierte en epicentro del Pop Art, al coincidir la exposición Mitos del Pop que presenta el Museo Thyssen y la que el Reina Sofía dedica a uno de sus mayores protagonistas, Richard Hamilton. La entrada conjunta //MadridEsPop para público individual es de 13 € desde el 17 de junio al 13 de septiembre que finaliza la muestra del Thyssen.
- La exposición de Richard Hamilton en el Reina Sofía podrá visitarse gratuitamente todos los lunes, miércoles, jueves, viernes y sábados de 19 a 21 horas; domingos de 13:30 a 19. El 12 de octubre la visita a la exposición y al museo es gratuita para todos los públicos.
