Eduardo Mac’Entyre: creador del movimiento Arte generativo

El 5 de mayo murió en la ciudad de Buenos Aires el gran pintor argentino Eduardo Mac’Entyre. Creador del movimiento Arte generativo, junto con Ary Brizzi, Carlos Silva y Miguel Angel Vidal, vertiente del arte abstracto geométrico argentino.

Movimiento surgido en los 60, continuando las tendencias de Arte Concreto pero innovando en los aspectos ópticos, lumínicos y geométricos. Estos movimientos influyeron en generaciones posteriores, tanto en Argentina como en Europa.

Eduardo Mac Entyre estudio diseño gráfico e industrial, pero se dedicó a la pintura, llevando a cabo una larga carrera artística profesional con numerosas exposiciones, diversas distinciones y premios. Su obra alcanzó prestigio internacional y se encuentra en el Museo de la OEA de Washington y en varias colecciones de Europa y Latinoamérica.

A través de formas lineales, creadas según orden serial, impulsa movimientos, desplazamientos espaciales, logrando efectos ópticos, vibraciones cromáticas y especial sentido poético y visual.

Lo entrevisté, unos meses antes de morir, en su casa del barrio de Barracas, al sur de la ciudad, donde tenía su atelier. Fue una conversación donde rescató memorias y activamos nuestra antigua amistad. A manera de homenaje, estos testimonios sobre su obra y el movimiento Arte Generativo.

Mac’Entyre: Nos reuniamos, Vidal y yo con el critico de arte Ignacio Pirovano, quien había trabajado sobre la obra de Vantongerloo. Conversando, vimos que teníamos muchas coincidencias, entonces, Pirovano nos propuso ponerle a nuestro movimiento Arte Generativo.

El arte en el fondo genera, todo arte esta generando cosas, asi que adoptamos el término y llamamos a lo que estabamos haciendo Arte Generativo.

En realidad, el grupo eramos Vidal, yo y Pirovano, pero después se unió el ingeniero Gorlero, quien falleció al poco tiempo. Pirovano era coleccionista, estudioso y organizador de exposiciones y además tenía un gran sentido estético, apoyo a varios artistas: a Maldonado, a Alfredo Hlito y a Iommi y después a nosotros, ademas incluyó en el grupo a Carlos Silva y a Ary Brizzi, quienes se adhirieron al movimiento desde temprano.

Adriana Bianco: Arte Generativo trabaja sobre el concepto de la línea, ¿por qué?

ME: Cada uno de nosotros toma la línea para dar un significado a su obra, Vidal, usa la línea recta y yo la línea curva. Yo entiendo que la curva tiene en sí el movimiento en su visualización, no tiene ni principio ni fin y es una forma repetida constantemente en la naturaleza. Opté por la circunferencia y todas sus posibilidades, sentí que con la forma curva podía expresarme. Luego surgieron otras propuestas, la superposión de líneas, los tramados, en fin, en la experimentación empiezan a surgir nuevas imágenes…

AB: ¿Cuál era la filosofía y estética que los impulsaba a esta nueva tendencia?

ME: Nosotros queríamos darle movimiento a lo geométrico, queríamos dinamizar la pintura geométrica que hasta ese momento había sido estática, muy rigida. Por eso, decidimos darle movimiento a través de la línea, con entrecruzamientos, superposiciones, tramados, provocando efectos ópticos y con ayuda del color, ésto se acentuaba. Así, comenzamos a desarrollar varios temas.

El Arte Generativo comenzó a difundirse en Europa y Latinoamérica, a raíz del éxito que tuvimos en Argentina, nos proyectamos en el exterior. Recuerdo cuando Jacques Lesaigne nos invitó a realizar una exposición en el Museo de Arte Moderno de París.

Primero hicimos una gran exposición en Buenos Aires y fue el profesor Billy Whitelow el que hizo la curaduria, incluyendo a Espinosa y a Miguel Ocampo. Luego, la muestra viaja a Francia por invitación del Museo de Arte Moderno de París.

Tuvo mucha repercusión en Europa y también, en un lugar clave de Lationoamérica, Venezuela, donde estaba Soto y Cruz Diez. Nuestros trabajos tuvieron una gran asimilación de parte de los artistas, de la crítica y el público porque ya había una concepción de cambio visual.

Kennedy en la exposición de Mac’Entyre

En Estados Unidos, pasó lo mismo, el critico de arte Gómez Sicre me invita a exponer en el Museo de Arte de la OEA, en Washington, yo llevo 30 obras pero me ceden más espacio y agrego diez mas, convirtiéndose en una gran exposición. Luego, el galerista Bonino me invita a exponer en Nueva York, donde tuve mucha prensa y aceptación. Creo que en Estados Unidos, en ese momento, estaba en auge el Op-Art y mi obra fue aceptada, justamente, por esos aspectos ópticos-visuales.

AB: En el mundo había grandes cambios plásticos, en Europa, en París estaba trabajando el grupo Recherche d’Art Visuel y varios otros, por lo tanto en el ambiente artístico se sentía un gran cambio de óptica y perspectiva.

EM: Yo hablo por lo que me tocó vivir con el grupo, y veo que hay una vuelta de tuerca y se está revalorizando lo que hicimos en los 50 y 60. En esos años, hubo toda una revolución óptica y estética en el mundo, como bien decías. En Argentina, casi todos los artistas de mi generación nos separamos de las tradiciones, fuimos por caminos innovativos. Hubo quienes marcaron hitos: los Concretos, el Grupo Madi, los Constructivistas, el grupo de Le Parc, eran vientos de cambio, nuevos desafíos visuales.

AB: En Latinoamérica el Arte Figurativo, tiene larga tradición, ustedes y otros artistas estaban imponiendo nuevos aspectos del arte, la visión abstracta, geométrica…

ME: Si, pero eso no quiere decir que yo, personalmente, niegue la figuración, por el contrario, encuentro aspectos interesantes en la figura. En arte, lo que me interesa es la calidad, sea por el camino que elijas. Para mí, expresarme a través de la geometría es algo que me entusiasma, por lo que se puede descubrir, analizar y provocar en el espectador. El mundo de las formas abstractas, lineales es un mundo visual sin límites, donde me siento cómodo, veo imágenes y se me abren muchas posibilidades ópticas. Para mí, no hay conflicto entre línea y color, ni entre formas generadas por la línea. Yo, busco un equilibrio entre color y forma.

Lo lineal es muy importante en mi obra pero yo no abandono el color, para mí el color es fundamental, juega aspectos de relevancia, revaloriza la línea y se producen juegos visuales muy especiales. Pero también busco que el color tenga su importancia, por eso, he pintado series donde la línea es apenas imperceptible y el color dirige la visión.

Para mí, el color es fundamental. Yo visualizo el color como luz y trato de darle intensidad. La luz es también muy importante. Por eso, en mis cuadros hay toques blancos, claro-oscuros, juego de contrastes. La presencia de la luz aparece a veces con intencionalidad , otras, de manera inconsciente.

En mi obra, hay una etapa donde el arte africano influye, donde estudio la estética afro en obras y esculturas para llegar a una síntesis.

En otros casos, utilizo la línea como forma de sostén y dinamismo del cuadro, en otras, la línea es trama y da complejidad al cuadro, y en otras, la línea fluye por si misma…

AB: ¿Cuál es tu método de trabajo, primero esbozar, trazar un concepto? ¿Con qué elementos trabajas?

ME: Soy bastante metódico. Utilizo pincel, lápiz, tintas, aerógrafo, compases, trabajo con acrilico sobre tela, Me gusta explorar y trabajar por series, agotar la imagen o descubrir todo lo que pueda. En mi última etapa, no abandono el círculo, el semi-círculo o las curvas, me acerco más a una visión cósmica. Mirando el cielo, uno esta rodeado de curvas, la luna, el sol, el cosmos esta ligado a la redondez, al infinito.

también me he inspirado en la naturaleza. Hice toda una Serie de Vuelos, observando el vuelo de los pájaros cuando iba al campo.

Una obra tiene muchas lecturas, cuando uno la termina, la gente suele ver formas reconocidas, nubes, delfines, aves, pero son líneas…

Me llega una idea, una imagen y cuando pinto siento que me da resultado óptimo y entonces, sigo visualizando y desarrollando esa imagen. Pinto series de 7 u 8 trabajos enfocados en ese tema, cuando siento que se repite, busco otro enfoque.

En etapas anteriores, yo buscaba la simetría, daba a la simetría papel preponderante en la composición del cuadro. Después de los 80, encontré que podía decir mucho más con la asimetría. Se me abrió un camino menos racional, mas intuitivo. No pienso lo que va a salir, dibujo, creo con libertad absoluta, siento que estoy frente a un espacio más amplio. La simetría cerraba el tema, lo estructuraba. Con la asimetría tengo libertad, genero nuevos espacios y formas abiertas. Me libero de la estructura y también libero al color, encuentro que puedo penetrar más el color, agudizo los toques lumínicos…

En un momento hice paisajes imaginarios, me pareció interesante, eso me ayudó a descubrir la libertad de la asimetría, no soy paisajista, ese no es mi estilo, pero hice la exposición y gusto mucho, un artista debe tener absoluta libertad, pero no seguí, sólo fue una etapa que me dio riqueza, apertura, amplitud de visión y utilice todo éso, en mis siguientes trabajos.

AB: Hablabas del estilo, de lo que identifica a un artista con su obra..

ME: El estilo es como la respiración, no es un amaneramiento técnico, o el uso de los elementos y materiales. El estilo es uno, está adentro, todo lo que hagas está hecho según tu estilo, tu personalidad, el estilo es la persona, algunos lo encuentran, otros no. Es el sello con el que pintas y te expresas.

AB: ¿Cómo ves el panorama de las Artes Visuales actualmente?

ME: Creo que vivimos una época de absoluta libertad y donde se considera que todo es arte. En un sentido, sí, pero en otro, yo no estoy de acuerdo. Tampoco, el arte efímero… el arte para mí es perdurabilidad, ésa es una de las condiciones que lo determina.

Hay un trabajo, un estudio, una investigación previa al momento de crear, una necesidad de formarse conociendo los materiales y el lenguaje. Hay jóvenes que te cuentan, te narran la obra, bien, pero para mí, la obra dice todo y tiene que haber una trascendencia.

El arte expresa lo profundo del ser humano y por consiguiente de la humanidad, Apunta al espíritu, a una manifestación del hombre y al sentido de la vida. Para ser artista hay que recorrer esos caminos, enfocar la labor como una profesión, obviar lo fácil, llegar a nuestra esencia. Entonces, cuando estás frente a la tela, estás todo entero con tu ser, comprometido con lo que haces y éso se expresa en la obra.